Aquí, el misterio no es un velo que cubre, sino una puerta que se abre. Desde la intuición, volvemos la mirada hacia adentro con atención y curiosidad, esperando las respuestas que se revelan en la experiencia individual.

La exposición presenta el resultado de un proceso de producción de dos años. Todo empieza con la guilla, la obsesión, el enredo mental; luego la disposición nos acerca al problema. Nuestra respuesta como grupo es atravesarlo, juntxs y de la mano. Actividad y pasividad, apariencia y realidad, vida y muerte son los juegos duales que Nuestra Colectiva cuestiona para transformar sus obsesiones personales.

Guiados por diferentes técnicas, cada unx ha intentado capturar un fragmento de lo desconocido. Estos símbolos actúan como puentes metafóricos, cruzando umbrales de transformación e invitándonos a observar nuestra propia metamorfosis interna.

Las propuestas exploran la transformación en sus múltiples formas, desde lo físico hasta lo espiritual. Las piezas nacen de una observación profunda y de un proceso creativo enigmático. Cada obra sugiere un sentido de misterio, introspección y cercanía. Al enfrentar la obsesión y situarla en un espacio real, se desarma. En Arcanos Cercanos, estos códigos revelan un conjunto de símbolos que otorgan nuevos sentidos a deseos y miedos inherentemente humanos. Por lo tanto, todxs jugamos un papel en esto.

Les invitamos a dejarse llevar por el misterio, a indagar en sus propios arcanos cercanos mientras recorren esta exposición. Permítanse sentir, reflexionar y, sobre todo, conectarse con las historias ocultas detrás de cada obra.

En Arcanos Cercanos, cada paso es una invitación a descubrir lo que yace debajo de la superficie, a encontrar lo desconocido en lo conocido, y a revelarse a uno mismo a través del arte.

Nuestra Colectiva es un grupo cómplice que, desde 2019, ha construido un espacio para el desarrollo de proyectos y obras, guiado por las premisas del intercambio, la producción y el afecto. Formada por lxs artistas panameñxs Gabriela Esplá, Carola Gelabert, Christian Pérez Vega, Libertad Rojo y Andrea Santos, Nuestra trabaja de manera experimental, creando un espacio horizontal para explorar ideas. Apoyada en una estructura enfocada en la comunicación, la crítica constructiva grupal y el método de ensayo y error, las raíces de la apertura a la expresión libre y segura de sus frustraciones personales y políticas se profundizan y desarrollan en conjunto con su producción artística.

 

En Sala

Gabriela Esplá (Panamá, 1990)
Premonición, 2024
Video ensamble perpendicular

Trampa de ratón, 2022-2024
Técnica mixta, cajas de cartón, soporte de madera y video

Trampa de ratón es una serie compuesta por dos piezas: un video ensamble y una instalación con instructivo, que simbolizan la resolución de un problema fuera de mi control. Explora la búsqueda de un lugar seguro, los cambios inminentes y cómo, a través del juego y los sentidos, intento atrapar el miedo.

Lo pienso en tres tiempos. En el primer momento, aparecieron unas ratas junto a mi apartamento en la planta baja. Al principio, me provocaba muchísimo asco, pero luego, sorprendentemente, despertaron en mí una extraña ternura, como una premonición de un problema mucho mayor. En el segundo tiempo, me mudé a otro piso más alto. Dos meses después, vendieron el edificio sin informar a los vecinos. El nuevo dueño llenó todo de obreros, sin permisos ni sistema de seguridad; demolieron paredes y taladraron los pisos, obligándonos a desalojar sin indemnización y echándonos a patadas de nuestras casas (El Cangrejo, Ciudad de Panamá, 2023).

Al final, aparecen dos tablas de madera: una cubierta con piel de serpiente y la otra con una calavera. Empatan en el juego porque la serpiente devora al ratón, y la calavera simboliza el cambio, la retribución y un nuevo comienzo. Gira la ruleta y deja que cada una atrape a su presa.

Gabriela Esplá, Maestra en artes y muralista, indaga a través de los símbolos como ciertas formas pueden articularse de manera abstracta. El espacio en cual se trabaja Nuestra Colectiva, genera una prolongación en el trayecto conocido de la producción habitual. Cuestionamientos sobre el territorio, la búsqueda de un lugar seguro y el constante proceso de cambios son temas presentes en su obra. Explora la interacción con las piezas y sus múltiples interpretaciones.

 

Carola Gelabert (Panamá, 1991)
Réquiem para mi muerte en vida (El Gran FOMO y la Pequeña Acción), Actos I, II y III. 2022 - 2024
Instalación con piedras talladas

Piedras sagradas que narran la historia del encuentro entre dos deidades: El Gran FOMO y la Pequeña Acción. Selladxs en posición de apoyo eterno, son lxs guardianes del balance universal entre la vida, la muerte y la existencia. Un humanx en busca de respuestas es testigo de este encuentro y hace las paces con la posibilidad inminente de su propia mortalidad.

Réquiem es sobre el miedo a morir en cualquier momento. La presencia de la muerte se hace sentir constantemente y nos recuerda la fragilidad de la vida humana. Esta obra nos invita a reflexionar sobre la inevitabilidad de la tragedia, que acecha en cada esquina de nuestra ansiosa existencia.

No hay nada más natural que el ciclo de la vida y la muerte, y pocas cosas son tan humanas como el acto de narrar historias. Desde el principio de la humanidad, hemos encontrado (y dejado) mensajes que nos ayudan a dar sentido a los aspectos más fundamentales de nuestra existencia. En la era actual, estando hiperconectados e hiperconscientes de nuestro entorno, la muerte no deja de sorprendernos a pesar de su constante presencia, habiéndonos incluso desensibilizado ante ella. ¿Cómo vivimos todos los días sabiendo que nos vamos a morir? ¿Por qué la muerte de un ser querido despierta nuestro deseo de vivir como nunca antes? ¿Cómo llevamos el duelo de nuestra propia mortalidad?

Réquiem es una trilogía sobre el encuentro humano con lo desconocido. Es un viaje para entender el misterio de la muerte al confrontarla de frente y reconciliarse con el temor a perderse lo que pudo ser y no será. Solo al hacer las paces con el FOMO* podemos abrir espacio a una vida bien vivida, encontrando consuelo en la acción.

*Nota: FOMO es la abreviatura de "fear of missing out" (miedo a perderse algo).

Carola Gelabert es una artista y diseñadora panameña. Su técnica principal es el collage, la cual ha logrado expandir a diversos medios como la gráfica, escultura y el arte objeto. Su obra explora principalmente la diversidad emocional y el sentir colectivo del adulto contemporáneo, centrando su atención en temas como la nostalgia y el contraste entre el mundo interior y exterior. Su lenguaje artístico se compone de la superposición de elementos y símbolos que toma y recontextualiza de su entorno cotidiano, así como del internet y la cultura pop. Obligando a estos elementos a convivir en un mismo plano a través de su lente honesto, crudo y a veces irónico, crea imágenes que evidencian la belleza y complejidad de la existencia y la experiencia humana.

 

Christian Pérez Vega (Panamá, 1992)
Restituir mi cuerpo, 2022-2024
Poliestireno, poliuretano, papel manila, yeso, grafito en polvo y tierra

Restituir mi cuerpo representa la oportunidad que me doy para recuperar, metafóricamente, una parte de mí que, por el terror que me rodeaba, decidí sepultar bajo tierra. Ha sido difícil conceptualizar un pensamiento, una declaración y un miedo del pasado en obra y palabra. Una declaración hecha por mi yo infante, mi yo pequeño, un yo que no entendía el mundo, pero que entendió el miedo. Entendió que su homosexualidad debía ser sepultada, produciendo grandes estragos internos. Ya no hay miedo, por eso hay arte. Y el arte, en su proceso de creación, permite sentir el alivio que produce entender, procesar, sanar y avanzar. Como espectadores, la obra no les ofrecerá un cuerpo, sino el inicio de la restitución. El pasado sigue conmigo, pero ya no pesa tanto. El cuerpo restituido está en el presente.

Christian Pérez Vega es un artista, diseñador y educador de arte, cuyo trabajo se fundamenta en el dibujo. Utiliza este medio para canalizar sus intereses y experiencias, construyendo un lenguaje visual que da lugar a autoficciones donde todo es posible. Su práctica artística abarca diversos formatos, incluyendo pintura, grabado, video y escultura. Christian explora lo queer tanto como una declaración política como un espacio alternativo de posibilidades. Este enfoque lo lleva a representar el cuerpo humano como un contenedor para comunicar sus ideas, con una constante fijación en la fragmentación e hibridación para desdibujar los límites.

 

Libertad Rojo (Panamá, 1992)
En el borde de lo posible, 2022-2024
9 piezas de aluminio repujado con apariencia de puertas, sobre una base de madera

En el borde de lo posible es una metáfora liminal que explora el cambio como un espacio sagrado. Las puertas representan transiciones, umbrales que cruzamos para entrar en nuevos espacios,puntos de conexión entre lo presente y lo oculto. Simbolizan el acceso a nuestro espacio interior y nuestro cuerpo como la entrada a nuestras experiencias, pero también son símbolo de apertura y cierre.

La evocación de estas transiciones a través de los repujados en aluminio crea una imagen de introspección y reverencia personal. El contraste entre el aluminio frío y metálico y la madera cálida, orgánica e irregular, simboliza la dualidad de la existencia humana, fusionando lo que parecen ser opuestos.

Esta obra es una invitación a los espectadores a explorar su espacio interno, reflexionando sobre sus propios tránsitos y puertas por abrir.

Libertad Rojo es una artista multidisciplinaria panameña. Trabaja con un enfoque intuitivo y orientado al proceso, apuntando a la reflexión y la imaginación para el desarrollo de un lenguaje que explora la experiencia humana a través de diversos medios, cultivando la conexión con el contexto social y natural.

 

Andrea Santos (Panamá, 1991)
Miraje del caos, 2022-2024
Instalación de bloques de espejos

Espejos, pantallas, paredes, murallas, torres, castillos: los juegos del ego. Todo lo que construye debe ser destruido. Desde el deseo de romper con una sobreidentificación, Miraje del caos es el resultado de una reflexión que explora el cuerpo como el contenedor de las complejidades que tejen nuestra identidad, la cual está en constante evolución. Sin embargo, ¿qué está realmente en juego en esta transformación?

Múltiples fragmentos construyen la percepción de nosotrxs mismxs y nuestra  relación con la experiencia humana. Cómo nos percibimos en el mundo visible es un reflejo de nuestro mundo imaginario, pero nuestra visión se ve influenciada por constructos culturales y sociales que, en contraste con nuestro mundo interior, moldean lo que consideramos nuestra realidad.

Al poner en juego estos fragmentos, podemos construir y deconstruir narrativas que nos ayudan a reconocernos entre la verdad y los mitos que ya no enriquecen nuestra comprensión de la realidad deseada. Este caos es esencial para nuestra evolución, desafiando las estructuras preestablecidas y permitiendo la apertura a una perspectiva cambiante, múltiple y mutable.

Andrea Santos es una artista visual que, de manera autodidacta e intuitiva, inicia explorando la expresión de su identidad en un continuo proceso de formación y destrucción. A través de diversos medios, su trabajo se convierte en un lenguaje que da forma o desarticula mundos, tejiendo una mitología única de su propia imaginación. En sus obras, estas expresiones se manifiestan como un código que da vida o desarticula realidades, replanteando aspectos como la sombra, la feminidad, los procesos, la energía sexual y la espiritualidad.